GRAFÍAS

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S/TITULO Tinta china s/ tela 0.80 x 0.20 cm (2009)

S/TITULO Acrílico s/ tela 200 x 120 cm (2009)

S/TITULO Acrílico s/ tela 100 x 100 cm (2009)

S/TITULO Acrílico s/ tela 600 x 100 cm (2009)

S/TITULO Acrílico s/ tela 100 x 30 cm (2009)

S/TITULO Técnica Mixta s/ tela 30 x 30 cm (2009)

S/TITULO Acrílico s/ tela 100 x 100 cm (2009)

Ruido secreto reúne un conjunto de producciones que artistas de diferentes ciudades del país produjeron durante un año en sintonía con las conversaciones en torno al Programa de Formación Taller Compartido organizado por Crudo desde Rosario.
Como sucede en el ready-made homónimo que Marcel Duchamp hiciera en 1916, hay cualidades de las obras que se esconden, son un secreto, un enigma. El ruido sólo existe en el movimiento, sobre todo observando la manera en que las obras leen y activan el espacio. El secreto se encuentra justo en ese intersticio.
La sala transita un repertorio amplio de supervivencias tanto de la historia del lugar (otrora Banco y sitio okupa) como de la tradición expositiva en el arte (taxonomía, vanguardia y
minimalismo). Las nociones de territorio, capital, intimidad, sueño y archivo se enlazan como flechas entre las piezas que van desde la exquisitez de la pintura, hasta el brillo de las pantallas, pasando por objetos cerámicos, cianotipia y performance.
Clarisa Apendino, marzo 2021.

Nidia Bellene, José Luis Bertot Pradas, Guadalupe Buján, Mariela Fernández, Cintia Fernández Padín, Alejandra Gómez Paredes, Carina Jäkel, Marcela Mico y Jorge Sigal exploran el sendero que ellos mismos se han trazado, con la suficiente ductilidad como para transitar fructíferamente tanto el ripio como la meseta, el pantano como la huella en el barro. Sus paisajes pueden ser explícitos o anímicos; sus sustancias, sólidas o volubles; sus abstracciones, tan estrictas como arbitrarias. Mientras tanto, ellos conversan tácitamente entre formatos, transiciones, superficies heterogéneas y artificiales ambientaciones, buscando la polifacética clave de su lógica en la armónica diversidad, la tensión estructural y el nervioso contrapunto.
Eduardo Stupia, julio 2019

«No diseñar una forma en el espacio sino deformar el espacio en torno a sí mismo, mover, deshacer, moldear. Dibujo mi silueta en movimiento sobre un papel, la recorto y la quito. Lo que queda es lo que baila.»
Isadora Duncan

Entre la necesidad y el deseo, dice Flor, en esa tensión, se abre mi práctica: tiro piedritas hacia adelante, y cada piedrita es una nueva pregunta. Carmen escribe: Algo que decir que se expresa en un espacio confinado; siempre es un espacio confinado dentro de un espacio mayor. Nidia trae la palabra testimonio.

La tomo: de lo inesperado, pienso, vinieron las mejores preguntas. A veces termino un trabajo y siento que haría todo diferente. Pero el hacer dejó la pregunta más rica, más habilitante. La pregunta como algo vivo que vuelve a nosotros, a nuestro acto, a ese espacio más grande e inapresable. Casi desde el primer dibujo encuentro las obras como rastros. Indicios de algo que ocurrió y que las exceden. Veo el arte como un campo compartido e inagotable. Habitamos el impulso de la búsqueda y la posibilidad de una práctica instalada en lo poético como acto de existencia.

Una muestra de taller supone mostrar trabajos pero también hilar un devenir; invitar a una escena, a un territorio. Dar cuenta de lo compartido no es una tarea fácil. Celebramos el privilegio de encontrarnos, aun en tiempos tan oscuros. Sabemos que en las obras no está todo, y -sin embargo- ahí están, siendo el único todo posible, cargando su paradoja.

A veces, en algún lugar, está el deseo de salir hacia otro. A veces, la necesidad es urgencia hacia uno mismo. Cada obra tiende su propio puente y abre la lógica de su propia poética.

Lo que se busca es poner en acto el momento en que retiramos nuestro cuerpo para que la obra se sostenga.

Miramos las piedritas arrojadas, sentimos la reverberación del movimiento, y -con suerte- se abre un nuevo vacío.

Lo que queda es lo que baila.
Florencia Walfisch
Noviembre de 2018